中央美术学院之所以在全国众多的美术院校在教育体系上处于领先地位，就是因为它能够将基础学习和创作结合得很好。更因为它把提高创作能力作为一个终极目标，如果仅在课堂上学习人体写生或外出风景写生不足以体现在中央美术学院学习的相关全部价值。

创作的情感表达特点 

认清后现代语境下的某些艺术作品面临的困境 

当代艺术是传统艺术随社会意识形态多元和进步下的延续 发展

首先我们要明白创作是一个什么样的概念和动态，比如我们要说话，要表达自己的情感，就像主谓宾造句的语法一样。凡是正确的语法未必能够充分表达自己的情感，正确的语法按一般的规律说话必须是按照顺序才能正确。但是对于情感来说，你得强调语气，常常会把主语 调到后面，都是为强调某一个词，这样就把表达的情感凸显出来，这个时候语法就被我们利用，语法前后顺序调换来表达情感这个习惯和创作的思维有点像。再者，基本功实际上类似语法，它包含结构、透视、空间、比例等。作为具象绘画，这些“基础语法”都不能错，这个语法为一般规律，一般规律要会用、用对，所表达的情感跟自己的经历、性格、阅历结合起来，很流畅的利用且被大众接受。但是，过于“个性的语法”很难被大众接受，原因就是它破格了，所谓破格就是离大众“语法”太远了，很难和大众对接，要想对接就要建立一个通道让别人去理解你的想法，这就是后现代绘画当中出现的一个现象，什么现象呢？首先是制造一个它的语境，在这个语境当中说这个事，没有这个语境，你的思想和作品就会被孤立于外，甚至作品前面写一个文章加以说明才有可能被大众接纳，然后大众才能通过这个思路了解你说的话和你表达的情感，这就是后现代艺术突出的特点。所以说极端的个性的东西很难被大众理解，这应该说对于个性的表达是一个拓展。这是好的一面，另一面它有负面的因素，在当下大环境中。我们知道，这个全球化的信息化时代，人类接受信息的速度非常之快，数量非常之多。这个时代人们都在忙，他们没有时间进入你的语境读懂你的艺术，这就是后现代艺术碰到的困境。

我十年前和三年前带学生去欧洲考察，看到一个现象，在欧洲的许多博物馆看到一些特别当代的艺术作品突然出现在传统的艺术作品当中，它是什么意思呢？我在想，西方作为一个观念转变，之前当代艺术打着反传统的旗帜走向艺术舞台，但是现在美术史家却要将它们连接起来，认为后现代艺术也是前辈对艺术发展一代接一代延续发展的结果，这在美术史上是非常自然的事，而且我觉得是非常正确的现象，它的出现不是偶然的，一定是在前辈发展的基础上的结果。但是，我们看看后现代艺术作品它的这个困境，许多后现代艺术作品展览会会出现没人观看的尴尬局面。原因就是它没有大众基础，不能被大众接受。我们应该吸取这些教训

中国翻天覆地的变化当中孕育着无限的创作契机

我们要进一步拓展有价值的创作方式和思路

我认为当下我们搞这个创作，是处在这么一个环境当中的，我们不能忽视这样的机会，更不能忽视现今中国呈现的时代精神。中国翻天覆地的变化体现着时代精神，现今中国号称是世界工厂，是一个生态极其丰富的时期，最保守的、最激进的思想都作用于这个时代，中国翻天覆地的变化当中孕育着无限的创作契机，那么我们艺术家有话要说，可以在这么生态丰富的环境里有许多点可以渗透，这个时候就牵扯到一个创作手法问题，我们以往已有的这个教训和创作经验无疑是积累最为雄厚的，包括我们学校的写实性创作和现实主义创作，但是要创新，理解一个新的体系的时候，其实中国和西方都没有经验，而西方的教育体系比我们超前20年，我们中国由于各种原因落后于西方。尽管如此，我们学校写实性手法的创作这一块仍然很有实力，在这种现实主义创造性题材中，过去这样的题材政治性太强，意识形态中这方面太强了，形式要为内容服务，这是过去的创作手法。这种主题性写实创作方法我们认为它还是有价值的，但是其它有价值的的创作手段呢？我们是不是可以拓展，我们在创作中还可以研究、展开，中央美术学院的教育体系开始逐步逐步地采用研究语言本体的教学方式，就说语言自身的事，本体语言的基本规律要教给大家，这个才是绘画的本质，至于大家每一个人怎么用它，用哪一部分就是个人的事了，但是我教学的话要全部交给大家

上次我说的那个把创作意识引入这个和自己绘画对话的创作方式中去，从一个新构想法，画出一个作品之后，从中可能又刺激出另一个新的想法。这样延续下去，一系列创作思路就会象潮水般曼延开来。上次举例的毕加索十七个女孩的故事，他把一个女孩画了十七张作品，张张都不一样，这就是一种创作模式。这种模式和我们讲的主题性创作方式不一样，那么我说的这个道理是什么呢？这个就是说每个同学对过去有一定积累，有的同学已经有一定的创作积累，有的还没有，这样到中央美术学院来搞创作。第一对过去的创作意识有一个梳理，知道哪些东西并没有意识到；第二就是在中央美术学院搞创作时能不能把以前的东西提升一下，我觉得还是意识上的梳理。第一次给大家看稿的时候，我认为大家的东西还应该是意识上的梳理，其实给大家每个人画面上的具体细节问题分析得并不多，因为大家还没有上画布，一旦上画布，具体问题就多了。我想，下一步接下来就是要进入制作这个阶段，我逐步解决大家在过程当中出现的问题。

创作要研究经典作品

了解艺术发展规律中的重要环节  从中找到一个观念性的转变

从人类最宝贵的艺术精品中吸收营养  在此基础上继承发展和创新

我们说的思想和方法很重要，至于画的魅力还要看原作，原作本身呈现的痕迹是非常重要的，不看原作你根本不知道那个效果是怎么出来的。所以研究和看原作对于我们这个年龄段的人是当务之急的事，是进一步提高的关键手段，特别是研究画的构成方式，从中找到一个观念性的转变。

在17世纪法国普桑画家 被公认为古典主义构图大师，他的作品大多数是历史和神话题材。构图上独树一帜，非常严谨，他画得的每一个树枝树叶的指向都非常严谨，像松针一样很难掰开。17世纪，普桑做出了巨大的贡献，而到了塞尚之后又到了立体派、毕加索、波洛克，他们实际上把普桑的画面构成线化了。普桑那个构图都是通过形象摆在那的，表面上并没有线，可是到了塞尚之后就开始了线性结构的形式感的研究，再往后到了立体派，彻底把形象分解了。完全变成点线面，这个时候，我们看到西方人在形象背后的数学概念，是很厉害的。其实数学式的严谨也并不是那么玄乎，说白了就是联系一个点、一个线的问题。都不是孤立的，它们在画中都是要用联系的，这个就是画面的构成方式，我认为这个很有价值。

纳米派的价值主要是，将印象派的条件色写生变成了画面布局的色彩构成，这个过程是主观性的，是建立在客观基础上整理归纳的结果。它并没有忽视客观的影响，它妙就妙在似与不似之间。没有客观的形，那“似”就达不到，光有那个形，没有自己的想法和布局就“不似”也达不到，纳米派的博纳尔做出了非常大的贡献。

这些派系都各自有自己的特长，都成为我们研究的对象和可以借鉴的表现手法、思维方法。我希望有志于在这方面有兴趣研究的同学不妨试一试研究，这绝对让你有很大的收获。如果你做到了，可以在艺术探索的道路上节省十年的时间。当你把这个功课做了，你的体会会非常非常之深刻。学院为什么这样做，其宗旨就是要求学生尽快地把人类最宝贵的东西吸收和继承发展。

文案作者：丁一林 教授